Ciao Kiappo! Il pensiero potrebbe essere condivisibile anche se sa molto di
sfogo! Con chi abbiamo il piacere di interagire? Se ti và presentati c'è un'apposita sezione!
Buongiorno a tutti, mi chiamo Paolo, sono un novellino, di 62 anni, mi piace dipingere e l'ho anche fatto da professionista per un po' di anni. Dunque... in merito ai signori di Basezero, dopo una prima asta in Dicembre, dove hanno venduto circa 280 quadri su 300 o giù di li, con aggiudicazioni disastrose per la stargrande maggioranza dei casi ( compreso il mio.. purtroppo ) mi sono incontrato con i soci, che mi sembrano anche brave persone, e ho spiegato loro il mio punto di vista e cioè che a 50 o 100 euro... manco ai mercatini... infatti loro mi hanno detto che si sono accorti che la stragrande maggioranza di lavori sono, in realtà stati acquisiti da Mercanti e Galleristi che con pochi spiccioli hanno fatto il pieno. E che, comunque, bisognerebbe fare un po' i furbi e avere qualcuno che ti tira su il prezzo ( ma che senso ha? Boh ). Bene alla seconda Asta ( in concomitanza con l'Affordable Art Fair) hanno riproposto lo stesso identico schema... anche se a me è andata un po'meglio con un piccolo monocromo, va beh.. ma secondo me non è giusto "vendere" a quei prezzi perchè è un'umiliazione per gli Artisti, si rovina la reputazione di chi ha già una Clientela acquisita e non ha nemmeno senso dal punto di vista commerciale, non penso di aver detto proprio cose insensate... ma evidentemente non sono abbastanza "furbo". Cordiali Saluti a tutti. Kiappo
http://www.finanzaonline.com/forum/archive/index.php/t-1649192-p-3.html
L'edizione 2017 dello storico Premio Michetti di Francavilla, dal 1947 il più importante e antico concorso annuale in Italia di arte nazionale e internazionale, rischia di non essere svolta per la situazione di impasse totale che si è venuta a creare all'interno della Fondazione Michetti negli ultimi mesi con anche un esposto presentato lo scorso aprile alla Procura della Repubblica di Chieti dal sindaco Antonio Luciani. Il primo cittadino chiede ai magistrati di verificare se la gestione dell'ultimo periodo della Fondazione sia stata regolare e se, in particolare, la vendita di 77 opere, quadri e dipinti conservati nei locali della Fondazione al primo piano dell'omonimo museo, per un incasso totale di circa 250mila euro sia stata fatta rispettando i termini di legge. Il caso venne fatto emergere lo scorso marzo dal segretario del circolo cittadino del Pd di Francavilla, Monica Di Battista, che spiegava, parlando di gestione personalistica del presidente Vincenzo Centorame e del segretario Antonio D'Argento, di «una vendita del patrimonio della Fondazione nel tentativo di pareggiare il bilancio per i debiti accumulati; vendita effettuata, tuttavia, a trattativa privata, senza la condivisione decisionale con gli enti facenti parte della Fondazione e senza una gara a evidenza pubblica. Svendita frettolosa di 77 opere d’arte, il cui valore deve essere stimato per valutare l’adeguatezza della somma incassata; svendita che ha prodotto l’impoverimento sia del patrimonio artistico della Fondazione sia della città di Francavilla e di tutti gli enti pubblici soci».
Aude de Kerros: incisore, pittore e critico d'arte. Ha appena pubblicato The Imposture of Contemporary Art (Eyrolles).
Richard Orlinski: scultore parigino ha esposto in quasi un centinaio di gallerie in tutto il mondo. Il successo del suo re Kongs, pantere e coccodrilli lo classifica tra i sei artisti francesi più venduti al mondo, secondo il database di Artprice .
L'arte contemporanea dà l'impressione di essere il lavoro di una élite che vive in una rete chiusa e che è pronta a disprezzare qualsiasi forma di estetica. Lo snobismo coglie quest'arte?
Aude de Kerros. È piuttosto uno spirito religioso con i suoi codici, la sua moralità e le sue figure per gli iniziati. L'arte contemporanea può assumere un aspetto "jet-set", in primo luogo perché i prezzi sono difficili da sostenere, quindi perché la barriera linguistica non esiste, ma soprattutto dal rifiuto di qualsiasi dimensione di estetica o autenticità. Al contrario, l'arte contemporanea è puro "concetto", un protocollo intellettuale.
Richard Orlinski. Al di là dello snobismo, è piuttosto questa inclinazione un po 'chic per il bashing francese che è ovvio. Il Fiac si sforza di escludere in linea di principio gli artisti francesi, in particolare i best-seller. Quando questo piccolo mondo sente il mio nome, alza gli occhi. Non ho seguito il curriculum artistico richiesto per integrare questo cerchio chiuso, e in particolare il mio approccio all'arte diretto verso un vasto pubblico è considerato un atto di perversione non convalidato.
L'unica volta che sono stato in grado di esporre a Fiac è stato attraverso un ente di beneficenza. Ho rotto con i miei coccodrilli, che hanno attratto molta curiosità e messo in imbarazzo gli altri espositori. E, dopo due giorni, il curatore della mostra mi ha chiesto di fare le valigie. Fondamentalmente, i miei lavori - visti come troppo accessibili - sono stati ostracizzati dai rami "classici" dell'arte contemporanea. Faccio ponti tra diversi mestieri: musica, cinema, teatro, scultura, pittura. Invece di gestire "concetti", come richiede la professione.
>> Leggi anche: Se la bolla artistica scoppia ...
E poi, essere francese è un handicap da riconoscere in Francia. Mi scusi per insistere, ma il Fiac apre le sue porte a artisti cinesi, indiani con uno sfondo auto-ingannevole per ciò che è prodotto da artisti francesi. A differenza di altri paesi, come la Cina e gli Stati Uniti, che non esitano a portare avanti una politica artistica apertamente protezionistica. Considerate che un artista francese, Alexandre Ouairy, ha posto come artista cinese, un certo Tao Hongjing, per aumentare le vendite in Cina, con un certo successo. Al culmine dell'ironia, espose a Parigi.
"Nell'arte contemporanea, quando si entra in una rete, non siete liberi: i partecipanti al mercato richiedono di ridimensionare le opere, lo stile, e, soprattutto, all'ordine del giorno." Aude of Kerros
G. BASSIGNAC PER L'ESPANSIONE
Il tuo libro descrive un vero settore economico e finanziario responsabile della produzione, secondo metodi molto precisi, della valutazione degli artisti. Qual è la formula magica?
A. de K. Dagli anni '60 agli anni '90, la prima arte contemporanea è stata la costruzione di un piccolo ambiente con artisti e galleristi. Il trucco era quello di esporre artisti già avvistati dal MoMA (Museum of Modern Art di New York) e di eseguire i lavori tra diversi amici galleristi per aumentare le valutazioni.
Lo scopritore di Andy Warhol , Leo Castelli, ha approfittato delle produzioni in serie dell'artista per implementare questo meccanismo inflazionistico basato sulla massima visibilità. Il sistema ha funzionato fino al crollo del Giappone all'inizio del 1990. Per aumentare i rating, i finanzieri hanno l'idea di riformare la bolla, ma la rete. Una vera catena di "valore" è stata creata attorno ai ricchi collezionisti, che sono stati il primo link.
I galleristi che sono stati coinvolti con collezionisti e case d'asta, come Sotheby's e Christie's, al momento sospettate di essere in un affare, hanno avuto un ruolo nel rafforzare il movimento al rialzo dei prezzi. Da questo punto di vista, François Pinault - proprietario di grandi opere e Christie's - appare come il collezionista totale.
Anche i media sono entrati nella danza ipnotica. Ad esempio, la famosa scultura di Papa Giovanni Paolo II di Maurizio Cattelan, frantumata da un meteorite, è stata esposta per la prima volta a Londra, con una certa indifferenza. Non importa, gli agenti dell'artista hanno mostrato in Polonia - un paese molto cattolico, la cui popolazione ha espresso la sua disapprovazione. I media l'hanno preso e il lavoro è passato da 1 a 3 milioni di euro. Operazione di sovversione riuscita. Così, le operazioni blasfeme si sono moltiplicate e si sono incontrate molto bene.
Un'installazione di Maurizio Cattelan raffigurante Papa Giovanni Paolo II schiacciato da un meteorite. Qui al Guggenheim Museum di New York.
REUTERS / Shannon Stapleton
Richard Orlinski, non sei affatto in questo registro sovversivo, ma assumi la dimensione "marketing" o anche "peopolisante" dell'approccio artistico. Molte star, come Sharon Stone o David Guetta , adorano le tue opere ...
RO Da quando ho iniziato, sento il bisogno di essere conosciuto dalle persone più grandi. Non entrare nei posteri, ma condividere le mie emozioni. Spero che le mie opere siano viste e non esiti a esporre nei luoghi più popolari, come il Festival di Cannes di qualche anno fa, o più regolarmente la stazione di Courchevel. Ma vado anche a scuola.
Ad un certo punto, nella mia carriera, mi sono allontanato un po 'dal mio primo supporto con lavori meno accessibili. Ma oggi sto lavorando anche a lavori in miniatura per giovani con meno argento e, data la qualità dei materiali e il tempo trascorso a perfezionare l'estetica, vendo in perdita.
Richard Orlinski sarebbe un caso a parte. Assume la dimensione estetica dell'arte contemporanea e ci riesce.
A. de K. Un'eccezione, in particolare un'eccezione francese. Dal 1983, su iniziativa del Ministro della cultura del tempo, Jack Lang, lo Stato promuoverà il "virtuoso" di "concettualismo" e "trasgressivo". Metterà fine alla pluralità artistica di Parigi, che ha fatto spazio all'accademismo e alle avanguardie.
RO Non sono nel registro dei rifiuti, sessuale o morboso. E la mia preoccupazione per l'estetica e il bel materiale mi ha anche guadagnato, da alcuni detrattori, il titolo di una sprezzante parte del "decoratore". Come se la bellezza diventasse incompatibile con l'arte. Presumo la dimensione "estetica" delle mie creazioni. I miei animali sono asessuati e le loro forme sono molto equilibrate. Trasformare la natura per renderla più bella è anche una base per la creazione artistica.
A. de K. L' intera intelligenza del mondo dell'arte, dagli accademici ai galleristi, considera gli scultori come artigiani. L'artista deve sfidare, scioccare, mettere nell'abisso. La missione morale dell'artista consiste nel ostacolare lo spettatore. È una religione con un'altra morale al servizio di una nuova Chiesa.
C'è una contraddizione. Richard Orlinski, tu non sei un seguace di questa religione apparentemente onnipotente. Ma tiri il tuo perno del gioco, se giudichi dal tuo "volume" di vendite ...
RO Quando tocchi le persone e il tuo messaggio ha una "leggibilità" artistica, incontri il pubblico. Conosco tra i miei collezionisti molti "acquirenti per la prima volta", persone che in precedenza non avevano mai comprato opere d'arte. E questo privilegio mi vale il disprezzo di un piccolo medium finalmente molto accademico. All'inizio della mia carriera, il giudizio di questi pochi influenti francesi nel mondo dell'arte mi ha influenzato molto. Ho seguito il consiglio di amici intimi, come Richard Branson, Ramzy Khiroun o Dominique Desseigne, e questo periodo è finito, ma l'ostilità rimane.
In questo mondo il denaro e l'ego sono mescolati. E questa lega crea violenza. Lo confronto oggi e vado al contrario alla fine delle mie idee. La mia notorietà si basa indubbiamente su questo popolare riconoscimento assunto. Il mio motto brillante nel mio salotto è "Prendi il meglio, fanculo il resto". Le città mi accettano per le mostre, altri mi rifiutano. Il pubblico - da tutti i ceti sociali - apprezza. Oggi, se mi venisse offerto di essere alla Fiac, non so se lo accetterei. A meno che ...
A. de K. La tua autonomia finanziaria e artistica è piuttosto singolare. Oggi, nell'arte contemporanea, quando entri in una rete, non sei più libero: gli attori del mercato - galleristi, collezionisti - chiedono la dimensione delle opere, lo stile e soprattutto l'agenda.
"La mia preoccupazione per l'estetica e materiale bello mi ha fatto la parte di alcuni critici, il titolo sprezzante Strand 'decoratore'. Come se la bellezza stava diventando incompatibili con l'arte." Richard Orlinski
G. BASSIGNAC PER L'ESPANSIONE
L'arte contemporanea è di destra o di sinistra?
A. de K. Dagli anni 2000, l'arte contemporanea prende in giro le idee politiche. Questo ambiente non è più lasciato, ma non gira a destra finora. Si separa piuttosto in due campi. Da un lato inbred - ispettore della creazione, curatori, associazioni personali agevolati, galleristi, critici d'arte, collezionisti e ovviamente cooptato ricchi artisti che prendono lo stesso discorso teorico, che sono stati addestrati in affari piano, l'uso della comunicazione. D'altra parte ci sono gli artisti autonomi e di cattiva reputazione che resistono al "concetto" e alla formattazione del pensiero.
RO Eccomi nella seconda categoria. In effetti, l'arte contemporanea non è politicamente all'avanguardia. I membri del governo attuali e passati possiedono alcuni dei miei lavori. Fleur Pellerin, ad esempio, senza offesa al suo Ministero della Cultura ... D'altra parte, mi dispiace insistere ma, sotto la destra come sotto la sinistra, il ministero non sembra voler promuovere gli artisti francese. Negli Champs-Elysées, ad esempio, è stato esposto l'artista colombiano Botero, ma da quanto tempo un artista francese ha avuto l'onore della via più bella del mondo? Questa auto-denigrazione attraversa le alternanze politiche francesi.
Esattamente, entrambi rimproverano lo stato, ma è il mercato a produrre questo focolaio speculativo ...
A. de K. Per lo stato è coinvolto, partecipa a questa bolla artistica attraverso borse di studio, mostre museali, collaborazioni con le fondazioni. In Francia, le istituzioni culturali impongono la loro arte ufficiale come riferimento essenziale per le basi dell'arte. Offrono ai "loro" artisti l'accesso all'ipervisibilità, un prerequisito per il successo. Appena appare una fondazione, i funzionari della Direzione regionale degli affari religiosi (Drac) vengono a fornire le loro competenze e promuovere i loro protetti.
I funzionari eletti comunali e regionali si sottopongono anche alle oukase di arte ufficiale, invece di garantire l'uso del denaro dei contribuenti. Questo apparentemente generoso sistema mette la RSA a circa il 35% degli artisti francesi. Questo sistema combina gli eccessi dell'ultra-liberismo con quelli del dirigismo.
L'artista americano Jeff Koons posa di fronte alla sua scultura "Play-Doh" esposta al Whitney Museum di New York il 24 giugno 2014.
afp.com/Timothy A. Clary
A. de K. L'arte contemporanea funziona come una piramide Ponzi, in cui la punta viene mantenuta artificialmente attraverso il denaro di altri. Questo tipo di editing finisce sempre per collassare, ma quando? È in corso da 20 anni e, da questo punto di vista, gli attori del mercato hanno strategie molto ben pensate per l'auto-alimentazione. Thierry Ehrmann osa dire che Jeff Koons potrebbe salire a 100 milioni. Perché no, dopo tutto? L'arte contemporanea rappresenta la paghetta dei più ricchi che alla fine non ha sentito l'esplosione di Lehman Brothers: "Troppo ricco per cadere".
Infine, la vulnerabilità di questo segmento artistico si basa sul rischio di un crollo della fede piuttosto che su quello della finanza. Uno sarebbe più vicino all'implosione del sistema sovietico che all'esplosione di una banca a Wall Street. Se un giorno i figli di questi grandi speculatori non vogliono investire di più su Koons, Hirst o Richter, ma per rivolgersi ad altre passioni ...
RO Ho sentito alcune osservazioni piuttosto nuove. Collezionisti - il russo, ad esempio - confronta il prezzo di costo di un'opera con il suo prezzo di mercato. Non vogliono più pagare $ 10 milioni per una scultura che costa $ 200.000. C'è una relazione tra il lavoro, i materiali usati per il suo design e le emozioni che fornisce. Fondamentalmente, potremmo assistere alla fine di un certo cinismo. Già, gli artisti che producono molto, come Damien Hirst, o quelli che hanno un po 'di big-big-string stanno vedendo cadere il loro rating. I meccanismi di mercato funzionano abbastanza bene.
https://www.lexpress.fr/culture/art/l-art-contemporain-est-il-une-imposture_1747136.html
https://www.lexpress.fr/culture/art/l-art-contemporain-est-il-une-imposture_1747136.html
alla fine degli Anni 80 il quadro da solo non bastava, ci voleva qualcosa di concettuale e io mi inventai questo libretto d’istruzioni. Che poi era un modo di creare un campo da gioco con confini ben definiti dove poter fare un quadro in cui tutto è al posto giusto, anche se creato dal caso. Una volta decise le dimensioni e il colore, il resto viene da sé". Così, dopo quasi trent’anni, i dipinti astratti di Stingel sono diventati dei classici. Ma ce n’è voluto di tempo, tanto che a un certo punto si è dovuto inventare la moquette, gesto ancora più radicale delle istruzioni. Nel 1991 una moquette arancione fluorescente ricopre il pavimento della galleria Daniel Newburg a New York, rendendo incandescente la facciata con il bagliore arancione che fuoriesce dai finestroni. "Bisognava provarle tutte per riuscire a emergere, per uscire dal gruppo, ammazzare la concorrenza". Tutto questo oggi sembra scontato, storia e persino storia dell’arte, ma io che ho vissuto insieme a Stingel quel momento posso assicurare che le cose non erano scontate per nulla e lui, Stingel, era guardato con molto sospetto dall’establishment artistico newyorchese. "Oggi sono un privilegiato, ma in quegli anni era durissimo, con galleristi che venivano in studio e dichiaravano che non c’era nessun plausibile motivo per mostrare opere come le mie".
santi e crocifissioni. Le ho mostrate nel 2008 per la prima volta a New York, alla Paula Cooper Gallery. C’era appena stato il crollo di Wall Street. Panico totale. Nessuno sapeva a che santo votarsi. Io allora feci tre quadri di santi". Sembra una battuta di spirito ma è così. Tanto che Jerry Saltz, guru della critica d’arte, scrisse un elogio della mostra sul New York Magazine leggendola proprio come un gesto di umiltà contro gli eccessi del mercato. Bingo. Stingel arrivava da due grandi mostre al Museo di Arte Contemporanea di Chicago e al Whitney Museum che lo avevano consacrato come uno degli artisti più influenti della sua generazione, ma la mostra da Paula Cooper, altra mitica figura del mondo dell’arte immortalata da Stingel per ben due volte con due monumentali dipinti, mostrati una volta a New York e un’altra a Basilea durante la fiera dell’arte, attirò l’attenzione di chi continuava a guardare dall’altra parte. Rudolf Stingel ancora una volta nei momenti giusti tira fuori gli attributi senza paura di fallire.
Il libretto delle istruzioni, la moquette arancione e tutto il resto non sono stati un caso, allora. O forse sono stati un caso, ma aiutati dal coraggio. Così come lo è stata la famosa stanza foderata di Celotex argentato in cui la gente impazziva e iniziava a scrivere sulle pareti o a conficcarci oggetti. "Io volevo fare solo una bella stanza d’argento, non mi aspettavo che la gente ci scrivesse sopra. Ma quando è accaduto, ho capito che così doveva essere e non ho opposto resistenza. Anzi, ho poi trasformato parte dell’installazione in quadri". Ma allora, per questo benedetto quadro non c’è proprio rispetto? "Tutti i quadri possibili sono stati fatti. L’unica cosa che credo utile fare è confrontarsi con il quadro spingendolo quasi sul baratro del fallimento o della distruzione". Un baratro in fondo al quale non c’è una rete, ma per fortuna un bellissimo tappeto pronto a salvare gli sfortunati dipinti spinti nel precipizio da Meister Stingel, come i maiali indemoniati del Vangelo.
L'Uomo Vogue, Maggio-Giugno 2013 (n. 441)
Fashion editor Robert Rabensteiner
