Come iniziare una carriera di artista, fino alla galleria.

Per quanto sorprendente possa sembrare, c'è una struttura e un ordine nel mondo dell'arte, e in particolare nel sistema di gallerie; è un sistema che è stato utilizzato fino a quando l'acquisto e la vendita di opere d'arte è stato intorno, e non è in procinto di cambiare. 
Così più velocemente imparerai le basi, più tempo, sforzi, denaro e soprattutto dolore ti faranno risparmiare quando cercheresti gallerie che sono adatte alla tua arte. La buona notizia è che una volta che hai capito come funzionano le cose, puoi mirare ed efficacemente farti strada attraverso l'arte per arrivare dove vuoi, ovunque sia.

http://www.edwardwinkleman.com/2009/02/advice-for-artists-seeking-gallery.html

Punto fondamentale da capire: Le gallerie sono organizzazioni commerciali, molto diversificate e con importanze differenti ma tutte sono lì per fare soldi. Il punto è che se anche farete dei lavori veramente validi, di senso compiuto e con buon tratto personale, uso di tecniche efficaci e attuali, insomma, se siete veramente OK, avete uno stile e una personalità, siete solo sulla rampa di lancio, ma al momento siete comunque uno o una dei tanti che cercano di emergere (artisti emergenti, più o meno giovani). Per essere venduti e realizzare un surplus sufficiente per un commerciante gallerista, dovete anche possedere una reputazione da mostrare, cioè una coerenza di lavoro, un ambiente adeguato per lavorare, una intenzione di farlo quotidianamente e aver fatto almeno alcuni passi per mettere fuori la testa nel mondo dell'arte e farvi conoscere di persona e con i vostri lavori.

Siamo in un caso denominato dalla teoria dei giochi di Dilemma del Prigioniero nella terribile variante del Comma 22. Questo articolo dice che fare una cosa determinata è quasi impossibile e tu devi farla per essere libero. E al contempo se uno fa quella data cosa non può essere libero.

Se dici che non puoi fare il militare perché sei pazzo, allora il comma 22 stabilisce che chi richiede di non farlo perché dichiara di essere pazzo, non può essere pazzo e quindi lo deve fare.

Applicato il comma 22 al nostro caso suona così: per esporre in una galleria occorre una buona reputazione acquisita con mostre e esibizioni, ma per poter avere mostre ed esibizioni occorre esporre in gallerie e premi vari (art prize). Insomma, ci sono solo pochi punti di ingresso e al tempo stesso, qiuesti punti di ingresso, anche se percorsi, non garantiscono nulla di per sé. Ad esempio aver ottenuto la vittoria al famoso Premio Cele..., non ha per nulla determinato un cambio importante nella vita artistica dei vincitori, se quello era l'unico biglietto di ingresso nel mondo dell'arte. E' anche vero che quello e altri punti percorsi nel corso degli anni, diciamo una decina di anni, dai 20 ai 30 anni, può permettere di raccogliere in un curricolo, una serie di dati, mostre, collettive, premi eccetera, che determinano una minima reputazione.

E' anche vero che esistono degli autentici fenomeni difficilmente comprensibili, mi riferisco a certi nomi che improvvisamente, dal nulla, appaiono nel panorama artistico nazionale e anche internazionale, che trovano una ragione solo nel fatto che costoro hanno preso un ascensore, vuoi per una botta di fortuna, vuoi perché erano già ben messi finanziariamente, nel senso che la famiglia li ha sostenuti economicamente, vuoi perché hanno fatto un tipo di arte che in quel momento sta andando forte nel mercato mondiale. Però è anche vero che c'è poi una legge che ci dice che questi fenomeni, si devono  comunque stabilire in modo continuo e definito nel mondo artistico, che non sono una meteora insomma. Alcuni di questi lo fanno, altri no o solo in parte e quindi comunque pur essendo saliti, tendono a galleggiare e comunque va loro bene.

E' anche vero che voi potreste essere artisti realmente vulcanici e creativi, capaci di utilizzare differenti media, sviluppare uno stile anche se nella continua mutevolezza della vostra espressione, e senza un colpo di fortuna, faticare moltissimo a farvi strada, senza un euro in tasca e senza conseguire vendite, anche minime o proprio solo minime e per molti anni. E' chiaro che arrivati ai 30-35 anni uno si deve chiedere dove voleva arrivare dieci anni prima e dove è arrivato oggi, deve farsi due conti e rivedere i propri piani. 

Fare l'arte è importante ma non si può morire di fame e giungere a quaranta anni senza aver realizzato qualcosa di tangibile, anche un obiettivo minimo, cioè trovare una via di sbocco per poter vivere almeno al minimo con la vostra arte. Quaranta sono gli anni che dovete tenere come cifra limite, se non avete concretizzato qualcosa almeno di minimo, dovete iniziare a lavorare in altri contesti e guadagnarvi da vivere, sempre senza tralasciare il vostro desiderio di fare arte. 

Tenete presente che dai 25 anni ai 40, il vostro lavoro si dovrebbe essere sviluppato in modo  da divenire più stabile, coerente e finalizzato. 

Io personalmente ho distrutto centinaia di disegni, prove su carta e cartone, e anche strappi di tela, tutti lavori che avevo realizzato dai 15 anni fino ai trenta e passa, che non mi rappresentavano più e che trovavo completamente fuori tempo. Mentre conservo ancora un centinaio di lavori fatti negli ultimi 5-6 anni, li tengo in un cassone di legno, le tele arrotolate sui rulli , pronti per fare i miei spettacoli nei vari ambiti. E' anche vero che molti lavori li ho ceduti, stabilendo patti molto chiari, consegnando l'autentica su foto e il numero di registrazione sul mio registro dei lavori effettuati. Questi lavori che conservo, li reputo attuali al momento che viviamo e per me che li ho fatti, quindi non sono dei pezzi vecchi o invecchiati, sono pezzi che mi rappresentano e che eseguo ancora oggi, sia pure con alcune modifiche e materiali differenti.

Vedete, gli artisti progrediscono da uno spettacolo all'altro e da una galleria all'altra durante il corso della loro carriera in modi del tutto ordinati e prevedibili; niente è casuale. Ci sono sempre ragioni per cui certi artisti e certi tipi di arte finiscono in determinate gallerie, istituzioni, musei e altri luoghi d'arte stabiliti. Allo stesso modo, le carriere artistiche avanzano passo dopo passo, deliberatamente, in modo incrementale e per lunghi periodi di tempo. Certo, una stella d'arte occasionale appare improvvisamente dal nulla, ma questa è di gran lunga l'eccezione piuttosto che la regola. Persino queste anomalie occasionali diventano ordinate e prevedibili quando la sorpresa svanisce.

Proprio come in qualsiasi altra professione, gli artisti che sono appena agli inizi nella loro carriera devono iniziare all'inizio, e nel mondo dell'arte che significa mostrare la tua arte praticamente ovunque qualcuno ti abbia. L'unico criterio a questo punto è che i luoghi sono gratuiti per la tua arte e che la gente lo vedrà, specialmente quelli che non l'hanno mai visto prima. Qui non stiamo necessariamente parlando di gallerie; ci sarà un sacco di tempo per loro più tardi. Possibili sedi includono caffetterie, ristoranti, showroom di mobili, boutique di moda, parrucchieri, hall di edifici commerciali, affittare uno spazio espositivo con amici artisti, visite private a casa o appartamento di qualcuno, spettacoli giurati o non, studi aperti e ovunque altrimenti puoi ottenere corpi caldi attraverso la porta-- questa è la chiave.

Queste prime avventure non solo offrono un'esperienza e un feedback preziosi in termini di vedere come gli altri reagiscono alla tua arte, ma massimizzano anche il numero di persone che avranno l'opportunità di vederlo. Più persone vedono la tua arte, maggiori sono le possibilità che qualcuno dirà a qualcuno che dirà a qualcuno quanto gli piace. E uno di quelli di una persona potrebbe possedere una galleria o conoscere qualcuno che possiede una galleria e rimanere impressionato abbastanza da voler entrare in contatto con te o convincere qualcun altro a contattarti. E così via, e così via, lungo la rete della vite. Questo è il modo in cui gli spettacoli di gallerie spesso hanno origine.

A dire il vero, quelli di voi che si sono diplomati alla scuola d'arte hanno avuto un vantaggio sulla competizione, almeno durante le prime fasi della carriera, il che significa che durante il corso degli studi, probabilmente siete stati esposti ai galleristi locali, i critici , curatori, collezionisti e altri membri degni di nota della comunità artistica ... quindi sai chi è chi. Imparare la geografia della scena artistica dell'area è uno dei grandi vantaggi di un'educazione artistica formale, ma non significa che nessuna di queste persone farà qualcosa per te, e sicuramente non significa che tu possa entrare in Triple A Fine Arti e fatti uno spettacolo solo perché hai incontrato il proprietario una volta. Devi salire la scala come tutti, ma almeno sai dove trovare la scala.

Quelli di voi che hanno acquisito le proprie capacità artistiche al di fuori del reame accademico o sono autodidatti (e ci sono tonnellate di voi là fuori) possono aggirare questo svantaggio logistico semplicemente immergendosi nelle comunità artistiche locali. Ricevi elenchi di annunci e-mail della galleria, apri le gallerie, gli spettacoli dei musei (in particolare per artisti e artisti locali o regionali), conferenze, tour, studi aperti e altri ritrovi noti. Le aperture sono particolarmente buone perché puoi vedere un gran numero di persone d'arte tutte insieme. Non andare a uno o due eventi e pensa di aver fatto il tuo dovere; andare in abbondanza e andare avanti. Se sei un tipo timido, non devi necessariamente parlare con nessuno mentre sei lì, anche se è sempre meglio fare una conversazione ogni tanto. In entrambi i casi,

Forse un vantaggio ancora maggiore nell'uscire là e farsi vedere, oltre a farsi conoscere, è dimostrare il tuo desiderio di partecipare, essere coinvolto e mostrare di essere serio sul successo come artista e impegnarsi a fare tutto il necessario per raggiungere quella fine. Tanti artisti pensano che tutto ciò che devono fare per ottenere spettacoli è inviare e-mail occasionali, casualmente social network, periodicamente colpire le gallerie locali o locali per spettacoli, invitare persone artistiche casuali a guardare i loro siti web, effettuare chiamate occasionali o visite alle gallerie, e in genere investono tempo e sforzi minimi per portare la loro arte al pubblico. Pensano che tutto quello che devono fare è accovacciarsi in studio e che le opportunità di esposizione appariranno misteriosamente dal nulla. 
Questo "Se lo faccio, arriveranno" l'approccio a ottenere spettacoli è garantito per non farti arrivare ovunque veloce, e infatti, probabilmente non ti porterà da nessuna parte. Non esiste una soluzione facile e nessun sostituto per ottenere te stesso e la tua arte in pubblico, frequentando locali ed eventi artistici locali e incontrando quante più persone possibili lungo la strada, ovunque e ogni volta che puoi.

Quindi diciamo che avanzi dalla fase "mostra qualsiasi cosa" per partecipare a una manciata di spettacoli di gruppo in gallerie locali decenti, magari per ottenere uno spettacolo personale o due in gallerie entry-level che si specializzano in artisti emergenti per magari anche avere la tua arte favorevolmente recensito online o dalla comunità locale. Anche uno spettacolo di successo o due non significa che sei pronto ad avvicinarti alle migliori gallerie, sia nella tua zona che altrove. Come nel mondo non-artistico, non si va direttamente dalle posizioni di primo livello a capo della società o dall'essere una banda bar locale a giocare a Madison Square Garden. Progresso passo dopo passo e show-by-show; è così che gli artisti vengono conosciuti. Stai iniziando a vedere come funziona questa gerarchia? Eccellente.

Per quelli di voi che hanno bisogno di un po 'più di spiegazione, prendiamoci un momento per esaminare come e perché le migliori gallerie vengono a mostrare gli artisti che fanno. Per cominciare, queste gallerie non selezionano in modo casuale artisti che passano per la porta o contattano in modi casuali come per e-mail, posta o telefono (quasi nessuna galleria lo fa ovunque). Non selezionano nemmeno artisti basandosi esclusivamente sul fatto che gli piaccia l'arte o anche su quanto sia bello. 
Questa è la parte scioccante - la tua arte può essere davvero buona - intendo davvero molto bella - e le gallerie importanti non ti mostreranno a prescindere da cosa. Perché? Per mostrare a una tale galleria, tu e la tua arte dovete essere una corrispondenza totale. La qualità della tua arte è solo una fase del processo. C'è anche il tuo curriculum, reputazione, esperienza, realizzazioni,

In poche parole, le migliori gallerie mostrano i migliori artisti. Ecco perché sono le migliori gallerie. Chi sono i migliori artisti, chiedi? Sono artisti che si sono dimostrati nel tempo, che all'inizio hanno iniziato a mostrare dove potevano, costruendo accuratamente i loro curriculum una riga alla volta, stabilendo record costanti di spettacoli di successo, convincendo coloro che contano di essere impegnati a fare arte, impressionare favorevolmente i curatori e i critici, dimostrando di essere in grado di fare ciò che ci si aspetta quando è previsto, vendendo bene, vendendo in modo coerente e così via all'infinito. 
In breve, sono artisti con una reputazione consolidata. Ed ecco la parte importante: hanno stabilito quelle stesse reputazioni. E qui' s la parte veramente importante: le gallerie non creano la reputazione degli artisti; li valorizzano solo È il tuo lavoro e il tuo solo a dimostrare che la tua reputazione merita di essere migliorata. Ed è così che funziona il sistema di gallerie.

Ulteriori suggerimenti per ottenere te stesso e la tua arte là fuori:

* Assicurati di ottenere la parola sui tuoi spettacoli in tutti i modi possibili, inclusi galleria d'arte online e calendari di eventi, siti web pertinenti alla tua arte, pagine di social network, blog, giornali e luoghi fisici in cui le persone dell'arte tendono a raggrupparsi. Esporre la tua arte al maggior numero possibile di neofiti e ampliare continuamente la tua base di fan e il pubblico è fondamentale per il tuo successo.

* Conoscere quelli della comunità artistica che sono più coinvolti con il tuo tipo di arte. Quando vi incontrate o vieni presentato a queste persone, vai piano, rilassati e parla di ciò che ha senso nel contesto della conversazione. Se qualcuno ti chiede della tua arte, bene, ma salva qualsiasi tipo di hard sell per dopo. Buone relazioni richiedono tempo per svilupparsi.

* Stagista o volontario presso gallerie locali o organizzazioni senza scopo di lucro che sono coinvolte in arte simile alla tua o anche nei musei locali. Questi sono ottimi modi per incontrare persone e essere coinvolti con la comunità artistica locale.

* Stagista o volontario per lavorare con artisti affermati di cui ti piace e rispetto.

* Aggiorna regolarmente il tuo sito web, le pagine dei social network e il profilo online generale. In questi giorni, praticamente la prima cosa che qualcuno fa che è interessato alla tua arte e vuole saperne di più ti guarda online.


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Vi faccio un esempio di una artista basata in LA, appena 30 anni e già in scia di arrivo, anzi direi che è già arrivata: Rosson Crow.

 mattina presto nella sua casa di Hollywood, che è anche il suo studio, l'artista Rosson Crow stava di fronte a un enorme dipinto a parete di cactus rosa e viola. Nel mezzo della tela, un adesivo sul paraurti diceva: "Buone cowgirl tengono insieme i loro vitelli".

"Adoro i paraurti adesivi ..." Crow, 34 anni, iniziò, e poi colse un sorriso deciso. "... specialmente quelli vagamente sessisti."

Scherzi scherzosi ed effimeri giocosi compaiono nel lavoro di Crow, e sono in mostra negli immensi paesaggi al neon del deserto che compongono il suo ultimo spettacolo personale, "The Happiest People on Earth", a circa un anno di produzione e apertura 28 aprile alla galleria di Los Angeles Honor Fraser. Cimeli vintage di Elvis, macchine e tabloid fanno tutti cameo- "Il miglior nome scandaloso sarebbe Hush Hush ", sottolineò Crow-in servizio di quello che è diventato lo stile inconfondibile di Crow, un'estetica pop colorata che ha attratto i luminari della moda nella sua orbita .

Quando arrivai allo studio di Crow, la prima cosa che vidi fu la sua Corvette rossa. (Etichetta della targa: "Rocrow.") Indossava orecchini a forma di cetriolo con un abito Moschino giallo e zecca disegnato da Scott. L'amore per il colore vivo lega il pittore e il designer, ma anche l'amicizia va più in profondità. "Una delle nostre cose preferite è andare nei negozi di antiquariato insieme", ha osservato Crow. Il loro bottino era evidente nel suo studio. Se un muro non è stato ripreso da una tela, è stato ricoperto di cimeli: ritagli di giornale dal giorno in cui Martin Luther King, Jr. morì, foto di John F. Kennedy, una bandiera della World's Fair del 1964 dove Walt Disney svelò il È un giro del piccolo mondo.

Capite bene che abbiamo sicuramente studi di alto profilo (e costosi), talento e sicurezza, ma anche una buona dose di soldi forniti dalla famiglia (spostarsi dal Texas a LA implica almeno un 1000 mila dollari in cinque anni, per affittare lo studio e tutto il resto.

Quanti di voi vantano studi in posti importanti, dove si spendono 20 mila dollari all'anno, e poi prendono degli aerei e girano per l'america, infine, si prendono in affitto una bella casa in LA, con annesso studio esterno, spazioso e ben attrezzato?

Quali mostre, art prize e altri percorsi ha fatto la nostra, all'età di 30 anni? Non lo sappiamo ma certamente il suo biglietto da visita è il college di provenienza e le sue capacità e i soldi disponibili per ottenere il suo spazio di visibilità iniziale.

Per i giovani artisti, assicurarsi la rappresentazione della galleria può sembrare un obiettivo irraggiungibile. Ma non deve essere un sogno irrealizzabile. Mentre è possibile fare da soli, è difficile capire l'importanza di una galleria di supporto dedicata alla tua carriera. Il gallerista giusto funge anche da cassa di risonanza mentre sviluppi il tuo lavoro, una piattaforma pubblica per il tuo studio e una fonte di guadagno. Ma se stai entrando nel mondo dell'arte come un creativo autodidatta o un laureato del MAE, la strada per trovare la rappresentazione può essere perplessa. Non è più appropriato entrare in una galleria che brandisce il tuo portafoglio, aspettandosi di essere scoperto, quindi come fai ad atterrare sul radar delle gallerie che già ammiri e rispetti? Prima di tutto, aiuta ad essere onesti: istituzioni blue-chip come Gagosian o David Zwirner non sono esattamente alla ricerca di talenti sconosciuti. 

Ma ci sono un sacco di gallerie vitali ed eccitanti su scala più piccola. Di seguito, parliamo con un gruppo di rivenditori progressisti in tutti gli Stati Uniti: da Catinca Tabacaru della Catinca Tabacaru Gallery sul Lower East Side di New York a Haynes Riley of Good Weather a North Little Rock, Arkansas, che rappresentano principalmente artisti emergenti. Soddisfano i modi più efficaci per farsi conoscere. L'importanza dell'istruzione Catinca Tabacaru, che ha aperto la sua galleria nel Lower East Side di Manhattan nel 2014, ha visitato per la prima volta lo studio del campus di Serra Victoria Bothwell Fels mentre stava per completare il suo MFA alla Columbia University. Quando Fels si è laureato, a maggio 2016, la sua prima mostra personale a New York era stata programmata per il prossimo dicembre nello spazio di Tabacaru. Fels è atterrato nella squadra permanente di Tabacaru poco dopo. Gli artisti sono incoraggiati a sfidare e sviluppare il loro lavoro mentre sono a scuola. Tabacaru, in particolare, fu attratto da come la pratica di Fels maturò mentre era alla Columbia. "I gradi artistici hanno l'effetto atteso: avanzano gli artisti spingendoli a riflettere sul loro lavoro e su dove lo stanno prendendo", dice.

 I programmi BFA e MFA fungono anche da piattaforma per artisti emergenti per presentare il loro lavoro a una comunità più ampia. La maggior parte dei programmi offre agli artisti dell'infrastruttura che potrebbero non essere in grado di provvedere autonomamente: lo spazio per gli studi e l'organizzazione e la promozione di studi aperti e spettacoli di tesi. Aaron Harbour e Jackie Im, che gestiscono Et al. galleria a San Francisco, sono due degli innumerevoli galleristi che usano le scuole d'arte come risorsa per stare al passo con le nuove pratiche. "Ciò che gli studi aperti o uno spettacolo di tesi hanno per loro è ingombrante. È una possibilità di vedere un sacco di lavoro di persona in uno spazio ", afferma Harbor. Harbour e Im hanno visto per la prima volta il lavoro di Kate Bonner di persona nel suo studio al California College of the Arts (CCA) nel 2011. Lì, ha mostrato loro i primi disegni che erano il nucleo della sua pratica quando è entrata nel programma MFA della CCA, insieme a nuovi oggetti work-fotografico-scultorei che lei sviluppò mentre era lì. La visita è anche raddoppiata come una prova preziosa della volontà di Bonner di evolvere la sua pratica: "Essere colpito da quel lavoro, combinato con la consapevolezza che lei aveva colto l'opportunità della scuola di specializzazione e trasformato, significava molto per noi", dice. Nel 2013, quando Harbor e Im aprirono le porte di Et al. Con l'allora socio Facundo Argañaraz, invitarono Bonner a esibirsi alla galleria. Mentre era al CCA, Bonner cementò anche una relazione con Luis De Jesus , il gallerista che ora la rappresenta a Los Angeles. 

 Riley ha incontrato i primi artisti che ha mostrato a Good Weather a North Little Rock, in Arkansas, mentre si è laureato alla Cranbrook Academy of Art. Mentre era a scuola, Riley non sapeva che sarebbe stato ispirato ad aprire una galleria nel 2012. Ma quando lo fece, nel garage adiacente alla casa suburbana di Little Rock, a suo fratello, attingeva artisti dalla sua comunità di Cranbrook come Tony Garbarini e John Zane Zappas ha lanciato il programma. Mentre questi galleristi riconoscono il valore della scuola d'arte per lo sviluppo e l'esposizione di un artista, sono anche pronti a sottolineare che una laurea non è affatto un criterio essenziale. "Il lavoro è il lavoro", dice Tabacaru. "Sono attratto da artisti autodidatti tanto quanto io sono artisti con BFA o MFA." 

 Il gallerista di Chicago Efrain Lopez, che ha aperto il suo spazio omonimo nel 2015 e ora rappresenta 10 artisti emergenti, riecheggia il sentimento: "Un MFA è un distintivo efficace da avere, ma non averne uno non mi limita a guardare il lavoro di qualcuno, " lui spiega. "Ci sono così tante strade che gli artisti possono usare per rendersi visibili ai galleristi e ai curatori - i corsi di laurea sono solo uno." Illustrazione di Tomi Um per Artsy. Illustrazione di Tomi Um per Artsy. Applicare alle residenze Mentre Lopez si preoccupa di rimanere a conoscenza degli artisti che escono dai programmi BFA e MFA (cita Yale, la Scuola di Design del Rhode Island, la School of the Art Institute di Chicago e il Royal College of Art come scuole che segue), le residenze hanno stato una fonte più fruttuosa di nuovi talenti.

 Nel 2014, mentre ha analizzato la visione del suo spazio nascente, ha fatto clic sul sito Web di ACRE. L'ACRE, o residenza per gli artisti e mostre per artisti, è un'organizzazione senza scopo di lucro a corto di Chicago che organizza un programma estivo annuale nelle zone rurali del Wisconsin. Oltre 50 artisti lo attraversano ogni anno. Successivamente, viene offerto uno spettacolo nello spazio espositivo di ACRE a Chicago o in una delle sue gallerie partner. Lopez è rimasta colpita dalle immagini del lavoro di Melissa Leandro, residente attualmente sul sito ACRE. Si è collegato all'artista attraverso il suo sito web e lei lo ha invitato a una mostra collettiva che includeva il suo lavoro; da lì hanno proceduto a organizzare una visita in studio. Sei mesi dopo, quando Lopez aprì la sua galleria, Leandro era nel roster. Le residenze possono anche essere un luogo produttivo per fare in modo collegamento e scout artisti di persona.

 Riley ha partecipato a numerosi programmi di residenza in tutto il paese, dove ha incontrato artisti che vanno a mostrare a Good Weather. "Inizialmente, gli artisti con cui ho lavorato non erano di Cranbrook, erano artisti con cui ho frequentato le residenze", spiega. Il programma di residenza alla Ox-Bow School of Art, Michigan, in particolare, ha portato ad amicizie e collaborazioni con Ezra Tessler , Jenny G e Sondra Perry , che hanno tutti montato un nuovo lavoro in galleria. Trova un lavoro che è adiacente al mondo dell'arte 

L'assegnazione di un lavoro in una galleria, sia come stagista, assistente, art handler, installatore o graphic designer, può anche espandere la comunità di un artista emergente e fungere da trampolino di lancio per l'esposizione. Tabacaru ha trovato un artista che avrebbe più tardi rappresentato durante l'internato alla galleria: " Xavier Robles de Medina ha fatto domanda per uno stage con me prima ancora di aprire", ricorda Tabacaru. "Era uno stagista terribile, ma ho amato il suo lavoro. Quindi l'ho licenziato e l'ho messo nel roster! "I suoi meticolosi disegni in grafite e dipinti ad olio sono stati inclusi in due mostre collettive e una mostra personale nello spazio di Tabacaru negli ultimi tre anni. Lavorare come assistente di studio di un artista affermato può anche essere un modo rapido per incontrare i galleristi e acquisire anche competenze tecniche e amministrative. Il lavoro di assistente giusto può funzionare più come un programma di tutoraggio e l'artista che ti sta assumendo potrebbe essere in grado di presentare il tuo lavoro ai suoi colleghi o ai suoi colleghi. Il numero di artisti famosi che si sono fatti le ossa nello studio di qualcun altro è lungo: dal giovane pittore Jamian Juliano-Villani , che ha iniziato la sua carriera come assistente nello studio di Erik Parker , all'influente pittore astratto Brice Marden , quando lavorava nel leggendario artista neo-Dada Robert Rauschenberg quando era giovane. Mantenere una presenza online Uno studio del 2016 ha calcolato che gli adulti americani, in media, spendono una quantità scioccante di ogni giorno online: circa 10 ore e 39 minuti.

 Lo stesso anno, Facebook ha riferito che gli utenti trascorrono una media di 50 minuti al giorno sul suo triumvirato di proprietà dei social media: Facebook, Instagram e Messenger. Divoriamo e scambiamo informazioni preziose online, quindi non sorprende che i galleristi includano anche internet e social media tra le risorse per trovare nuovi artisti. Al passo, è diventato prezioso per gli artisti creare una presenza online. Harbor e Im hanno lavori giornalieri che richiedono loro di sedersi davanti al computer. In momenti più tranquilli, sfogliano siti d'arte come Art Viewer , Contemporary Art Daily , Mousse Magazine , Terremoto , AQNB , Daily Lazy e Tzvetnik per stare al passo con il mondo dell'arte oltre San Francisco. Inoltre tengono d'occhio gli artisti il ​​cui lavoro colpisce la loro curiosità. "Siamo costantemente in chat e passiamo link a mostre o siti di artisti avanti e indietro durante il giorno", dice Harbor. I rivenditori cercano una vasta gamma di immagini di lavoro, preferibilmente organizzate per anno. 

Anche i dettagli di contatto chiari aiutano. "Per quanto riguarda le informazioni, il lavoro precedente, il curriculum vitae e una dichiarazione di artista sono ottimi punti di partenza", afferma Lopez. Avere questi dettagli "mi aiuta a navigare indipendentemente dal fatto che voglio fare il prossimo passo per incontrarli". Lo sviluppo di una presenza sui social media è meno integrale rispetto al mantenimento di un sito web. Ma molti galleristi usano Instagram, in particolare, come fonte aggiuntiva di informazioni sugli artisti a cui sono attratti. "Sono stato scettico sul ruolo dei social media nel mondo dell'arte", dice Lopez. "Ma riconosco che è un altro modo per gli artisti di rendersi visibili e visibili." Lopez è stato presentato al lavoro dello scultore Lesley Jackson quando ha iniziato a seguirlo su Instagram. L'incontro digitale ha portato Lopez ai feed di Jackson, dove ha visto una cascata di immagini luminose e pulite dei suoi pezzi: forme eleganti, composte da sottili ramoscelli, elastici tese e candele accese, con titoli poetici come "Balancing Eternity on Your Knee" "E" Conjuring a Rose with the Moon. "" Capisce come presentare il suo lavoro in quel contesto, "spiega. "La sua fotografia è bellissima." Seguì una conversazione tramite messaggio diretto, poi una visita in studio. Questo mese, il lavoro di Jackson è stato visto nella mostra collettiva di Lopez. Tabacaru riconosce anche il valore di vedere o condividere spontaneamente un pezzo avvincente attraverso i social media. 

Ha visto per la prima volta il lavoro di Jasmin Charles quando un collega ospite a una cena ha tirato su un'immagine di uno dei suoi dipinti su Instagram. L'esperienza ha dato il via all'interesse di Tabacaru per il duo di artisti, CHARGAUX, di cui Charles è la metà. Non molto tempo dopo, Tabacaru li invitò a unirsi alla galleria. Ma Tabacaru è anche veloce a offrire un avvertimento, quando si tratta di visibilità e comportamento di Instagram. "Instagram è influente? Sì. È cruciale?" No, "impressiona." Non c'è nulla che io disprezzi più di un artista che va in giro per autopromuoversi piuttosto che concentrarsi sullo sviluppo del proprio lavoro. C'è sicuramente un punto in cui l'auto-promozione va da essere utile per essere gratuito. " Illustrazione di Tomi Um per Artsy. Illustrazione di Tomi Um per Artsy. Presentati alle gallerie con tatto La regola d'oro quando si introduce il proprio lavoro nelle gallerie è semplice: non bombardarli. "Per favore non inondarci di telefonate e visite, o visitare la galleria ogni settimana e dire 'ti ho inviato una richiesta, non ho avuto risposta da te'", spiega Christy Wood, che è co-proprietaria della LeMieux Gallery in New Orleans. In passato, la sua galleria ha ospitato il ricevimento di apertura BOMBAY SAPPHIRE® Artisan Series in mostra artisti emergenti. "Ricorda che abbiamo già orari e artisti completi sul nostro roster le cui esigenze sono la nostra priorità". 

 Ma mentre marciare in una galleria che brandisce il tuo iPad con un portfolio non è in grado di ripagare, ci sono modi più sottili per mettere il tuo lavoro davanti agli occhi dei concessionari. Per prima cosa, conosci il panorama della galleria e trova molti dei programmi che rispetti. Questi sono gli spazi con cui vuoi familiarizzare. Se si dispone di speranza che una galleria alla fine sostenere il vostro lavoro, ha senso per sostenere la loro prima. "È meno efficace mandare il tuo portafoglio alla cieca ovunque", afferma Wood. "Trova una galleria o gallerie in cui il tuo lavoro si adatterebbe bene e coltivare quelle relazioni nel tempo." 

 Sia Wood che Lopez suggeriscono di frequentare le aperture come mezzo per conoscere la visione, gli artisti e lo staff di una galleria. "Anche se è appena arrivato alle aperture una volta al mese, dimostra che gli artisti sono interessati", afferma Wood. Lopez ha instaurato rapporti con diversi artisti dopo aver mostrato interesse per il suo programma: "Vengono ai miei spettacoli e questo inizia una conversazione, che un paio di volte è stata trasformata in una visita in studio, per poi esibirsi in una mostra collettiva al galleria. "L'esperienza di Wood rispecchia quella di Lopez:" Riesco a pensare a numerosi artisti che ho incontrato e che ho incluso negli spettacoli di gruppo perché hanno frequentato la galleria. " Molti rivenditori sono anche aperti a ricevere portafogli o link a siti web di artisti via e-mail. (Anche se una parola di cautela: se un sito Web di una galleria afferma esplicitamente che "non accetti invii", non inviarli). Tabacaru si impegna ad aprire tutte le comunicazioni, solitamente inviate via email, dagli artisti. "A volte cerco qualche secondo e non mi interessa. Altre volte divento ossessionato ed esploro il loro sito web per mezz'ora ", dice. "Ma non importa cosa, guardo. Voglio credere all'universo che se qualcuno pensa che io sia abbastanza prezioso da prendermi il tempo di scrivere, allora dovrei anche dargli il mio tempo.

 " Di recente ha aggiunto il giovane artista francese Mehryl Levisse alla lista della sua galleria. E ha imparato a conoscere il suo lavoro su "quale potrebbe essere il modo più scomodo per un artista di trovare una galleria", spiega. "Meryl mi ha trovato." Dopo aver appreso del programma di Tabacaru durante la sua permanenza presso la Residency Unlimited a Brooklyn, Levisse ha inviato a Tabacaru un'e-mail con un link al suo sito web. Era incuriosita. Organizzarono un breve incontro e Tabacaru incoraggiò Levisse ad aggiornarla sugli sviluppi del suo lavoro. "Sarebbe in contatto ogni due mesi con notizie su ciò a cui stava lavorando", ricorda. "E sono diventato sempre più interessato e impressionato." Circa un anno avanti e indietro, Tabacaru chiese a Levisse una proposta espositiva. Tre proposte dopo, hanno fissato una data per il primo spettacolo di Levisse, e lui è stato aggiunto al roster della galleria. In generale, abbi pazienza: le relazioni con i rivenditori spesso si svolgono nel tempo. La partnership "è simbiotica e di solito un processo di crescita lento", afferma Lopez. "È importante per gli artisti capirlo e non spaventarlo." Connettiti con la tua comunità I consigli sul passaparola sono spesso fondamentali. 

Quando si cerca lavoro da includere in spettacoli di gruppo o artisti da aggiungere ai loro programmi permanenti, molti galleristi guardano prima ad artisti e colleghi la cui visione rispettano. "Chiedo costantemente agli artisti che rappresento:" Chi stai guardando? ", Spiega Lopez. "Trovo che artisti di talento si circondino di altri artisti di talento". "Chiedo sempre ai miei amici, che visiti Los Angeles, Minneapolis, St. Louis, New York, Chicago o, più recentemente, Colonia, Atene e Berlino, che dovrei incontrare e quali pratiche dovrei essere consapevole di ", fa eco Haynes. "Tutte queste esperienze hanno portato ad incontrare nuove persone e ad impegnarsi in nuove conversazioni. Due gradi di separazione diventano un grado e quindi zero gradi. " L'unico modo per gli artisti emergenti di entrare in questa conversazione, tuttavia, è quello di creare e mantenere connessioni con i colleghi artisti che incontrano nel mondo, attraverso la scuola, le residenze, gli spettacoli di gruppo, le visite, i viaggi o una grande festa. "Cerco di incoraggiare gli artisti più introversi a impegnarsi con la propria comunità", afferma Lopez. 

Il dialogo tra artisti, spiega, è utile a molti livelli. Può ispirare nuove direzioni e sviluppi nel lavoro. Più strategicamente, è anche un modo efficace per scambiare informazioni su come navigare nel panorama della galleria, un modo per raccogliere informazioni su "come le relazioni artista-galleria funzionano e progredire, e quali gallerie hanno programmi interessanti e spettacoli di gruppo o sono alla ricerca di nuovi artisti ," Aggiunge. Lopez ha trovato diversi artisti inclusi nel suo attuale spettacolo collettivo, "Yellow Tulips", attraverso conversazioni con artisti che già rappresenta. Monika Bravo ha suggerito Omar Barquet , che ha incontrato durante una mostra collettiva in Svizzera l'anno scorso. Il lavoro di Manuela García è stato portato all'attenzione di Lopez da Anuar Maauad , che dirige uno spazio espositivo e un programma di residenza a Città del Messico, dove García ha lavorato e mostrato. La partecipazione a mostre collettive, sia in piccoli spazi gestiti da artisti che in gallerie di grandi dimensioni, apre gli artisti a una più ampia sezione di artisti, curatori e galleristi. I galleristi, in particolare, usano gli spettacoli collettivi come un'opportunità per conoscere artisti e il loro lavoro. Tabacaru invita abitualmente artisti a curare mostre di gruppi nella sua galleria. Per il primo spettacolo di Robles de Medina con Tabacaru nel 2015, ha chiesto a due artisti che ammirava di contribuire al lavoro: Felix R. Cid e Rui Chafes . Tabacaru ha dato un immediato fulgore al lavoro di Chafes, è stato acceso un dialogo, e all'inizio di quest'anno è emerso nel roster della galleria. "È importante essere visibili, rimanere visibili e capire che il mondo dell'arte è multiforme", afferma Lopez. Sottolinea che il gruppo mostra il doppio come un forte passo verso la ricerca o lo sviluppo di una relazione più permanente con una galleria.

 "È importante che il tuo lavoro sia incluso in quello che può sembrare un oscuro spettacolo di gruppo, in quanto è di avere una mostra personale in una galleria commerciale. Lavorano tutti mano nella mano per costruire la carriera di un artista ". Apri il tuo studio Può essere snervante per aprire uno spazio intimo (e talvolta disordinato) come uno studio, dove un artista mette alla prova le idee e costruisce la loro pratica. Ma la visita in studio da tempo è un passo fondamentale per coltivare una relazione con la galleria, quindi essere a proprio agio con l'esperienza è importante. I galleristi non vogliono solo vedere la tua arte online o su un iPad. Probabilmente vorranno avere una visione di prima mano del tuo modo di lavorare e di dove lo fai. Ciò non significa che devi fare una pulizia profonda o riorganizzazione del tuo spazio; i galleristi in genere non si aspettano (o desiderano) un display lucido a cubo bianco. 

"Preferisco visitare gli studi che non sono altamente curati", spiega Lopez. "Io gravitano verso la visione del lavoro in un contesto più naturale". Anche a Riley "piace vedere molto, specialmente un lavoro un po 'instabile", spiega. Si aspetta di vedere il lavoro che ha scoperto per la prima volta online, al fine di "comprenderne la materialità e le proporzioni." Ma dopo aver parlato delle intenzioni dell'artista con il lavoro attuale, "indirizza il dialogo verso il futuro - verso ciò che non è completamente compreso o conosciuto all'interno la loro pratica e produzione. " In questo modo, i galleristi come Riley lasciano intendere se i loro obiettivi siano o meno allineati con quelli dell'artista, e come potrebbero lavorare insieme andando avanti .

 Impara a parlare con sicurezza del tuo lavoro Sappiamo tutti che la comunicazione fluida è fondamentale per il successo di qualsiasi relazione. Lo stesso vale per il rapporto tra artista e gallerista, e il primo passo in questo dialogo sta esprimendo fluentemente le intenzioni dietro al tuo lavoro. Mentre Tabacaru si familiarizza con il lavoro degli artisti che sta prendendo in considerazione, "le piace capire profondamente", spiega. "Posso godermi semplicemente guardando, ma preferisco quando il dialogo mi porta più lontano." Lopez ribadisce questo desiderio. "Soprattutto, stai guardando un linguaggio visivo, ma sicuramente aiuta se gli artisti sono anche abili nello spiegare il loro lavoro", dice. "È importante che abbiano una forte comprensione di quello che stanno facendo e sono almeno in grado di comunicarlo". Naturalmente, spiegare le ispirazioni e gli obiettivi sfumati dietro il tuo lavoro potrebbe non essere facile. La chiave è la pratica, sia che lo faccia registrando i tuoi pensieri su un quaderno, parlando attraverso le tue ispirazioni con un amico o un curatore con cui sei a tuo agio, o descrivendo il tuo lavoro, sì, allo specchio. Siate a vostro agio, siate coerenti, ma non rendete nemmeno un gioco da 60 minuti ricco di rigidi discorsi accademici (aka arte internazionale inglese ). Essere ottusi e pretenziosi non impressionerà un gallerista. Vogliono sentire come pensi del tuo lavoro; vogliono avere una conversazione. "Amo avere conversazioni approfondite con artisti sul contesto della loro pratica e sul paesaggio nel suo insieme", afferma Lopez. Riley concorda: "Voglio capire le loro ideologie e avere esperienze con loro interpersonalmente. Voglio essere investito nel discorso che circonda la loro pratica ". 

 Riassumendo La strada per trovare una rappresentazione sarà probabilmente imprevedibile e includerà un miscuglio degli approcci di cui sopra. Ma diverse strategie guideranno quasi la ricerca di ogni artista per la rappresentazione di una galleria. Per prima cosa, resta visibile. Sii aperto a mostrare il tuo lavoro (sia in spettacoli di gruppo o online), condividendo informazioni con la tua comunità di artisti, partecipando alle aperture e imparando a conoscere il panorama delle gallerie che ti circondano. In secondo luogo, ricorda che costruire una partnership con una galleria significa collaborare. Sii aperto al dialogo sulle tue idee. I galleristi hanno esperienza nella realizzazione delle visioni degli artisti e nella vendita di lavori, e la maggior parte cerca artisti aperti ai consigli e disposti ad evolvere insieme i concetti. Infine, sii paziente. Tieni presente che ci sono molte gallerie là fuori, ognuna con la sua estetica e il suo approccio. Potrebbe volerci del tempo per trovare quello giusto per te, ma come per ogni grande relazione, questo vale lo sforzo.